Rashomon (Blu-ray) [1950]

Why I have put of buying this until now ? So glad I have got this film it's amazing to watch. The picture and sound quality is perfect, it's been remarkably restored in high definition. The film plot and execution by Akira Kurosawa is awesome, the camera angles and depth of fields in the filming is something you will need to watch to appreciate how good it is for a film made in 1950.

For many years I delayed getting a copy of this seminal film. Well good things come to those who wait. It is fabulous and unique and clearly as an early Kurosawa film displays the vision for camera angles, humour and seriousness of his palette. Mifuno is superb and plays his role of the bandit chief to the hilt. he reprises aspects of this caracter more than you would think for Seven Samurai, a very different film The film combines two Japanese short stories by Akutagawa, but you can read it in the extended booklet on this inside, this edition gives you the "in the grove" story itself. The other story about the Rashomon gate was so heavily adapted so does not bear inclusion here, although it is a good one in its own right. The graphic ending says all there is to be said about killing. men come out of this film badly, women are no better. men are weak and driven by emotions, women are stronger and more intelligent but capable of more deliberate and vengeful cruelty. I am slowly getting hold of all Kurosawa's film. Each is a revelation. This is a short film and easily demonstrates how the great man began

Japanese cinema at its best

There are lots of reviews here from viewers who obviously expected to see a modern style sword-fest along the lines of Hero. Others complain that the story setup has been seen many times in modern films. This is the original though, and surely must be given credit for that? From the huge catalogue of Mr. Kurosawa. This is an earlier work, from 1950, and was awarded an Oscar two years later. Filmed in black and white, and starring Kurosawa's frequent collaborator, Toshiro Mifune, this is set in the 11th Century, at a time of both plague, and Civil War. Today, the story seems simple, dealing with a rape and murder, and three alternative views of the event, seen in flashback, as told by different characters. At the time of this film's release, such a plot construction was unknown, and it received immense critical acclaim. Most stories of this nature filmed since, certainly owe their origins to this startling original. With twists and turns, tension, action, and brilliant direction at all times, this film is rightly considered for inclusion in the `Masters of Cinema' DVD series.

Rashomon is a groundbreaking 1950 film by the legendary Akira Kurosawa and starring the peerless Toshiro Mifune relatively early in his career. It is largely based on the short story In a Grove by Ryunosuke Akutagawa. What makes Rashomon so innovative is the explicit and repeated use of the unreliable narrator concept. The plot features the telling of the same story from four different perspectives, each perspective imposing the storyteller's own personality and prejudices onto the action. As Rashomon is a Kurosawa film, it is expertly directed. The pacing of the film is superb. Rashomon has quite limited periods of action but there is seemingly no let-up in the atmosphere. As a black and white film with subtitles for those without sufficient Japanese, it has a somewhat arty feel to it. Rashomon is thought provoking rather than exciting. Rashomon stars Toshiro Mifune and he is absolutely excellent. He is clearly the class act on screen, able to move his performance with great subtlety to express the different views the story is told from. At times he is the brash and super confident bandit Tajomaru. From the perspectives that see the dangerous bandit as the belligerant, Mifune is imposing and strong, his facial expressions convey his dominance of the environment he inhabits. From other perspectives, Mifune is afflicted by nerves, the very same outcomes happen almost despite Tajomaru rather than because of him. It is that distinction of perspective that makes Rashomon so cherished. Intriguingly each of the characters plays up their own negative role in the action rather than portraying themselves as heroic. Tajomaru sees himself as a brutal killer when others see him more comedic or even a victim of circumstances. The relationship between the couple in the woods is entirely dependent on the perspective being told from. From Machiko's perspective she is wronged by her partner seeing dishonour in her. From Mayusaki's perspective he is scorned by the woman he loves. None of the narratives are reliable. There is no real way for the viewer to decide which perspective is true. It is a fascinating study to watch, to be exposed so bluntly to egoistic way each of us understands the actions of others. Often great film is enhanced by tremendous music. This is not true of Rashomon. Fumio Hayasaka's score is not excellent. The sligtly disjointed tones of the majority of the film are somewhat ruined by an inappropriate use of Ravel's Bolero. Bolero really does not fit Rashomon, it was a bad choice by Kurosawa to insist on it. There are other aspects of the experience though that are tremendous, in particular the lighting. The oppressive rain experienced by the three characters at the Kyoto city gate is beautifully lit. The various woodland scenes also work very well with incredible use of sunlight. What makes Rashomon something special is the unreliability of each of the narrators. It is the subjectivity of perception explored so ruthlessly that makes it so intriguing. None of the narrators is willfully unreliable, the tale each tells seems genuinely theirs. These are not narrators manipulating the viewer deliberately and that makes them far more engaging. The scope and feel of Rashomon does not itself necessarily suit film brilliantly. Kurosawa makes it work thanks to his own genious and the presence of Mifune. They turn a concept into something compelling. Still, Rashomon seems more suited to being a stage performance, it just does not have the scope of Kurosawa's greatest films, tales like Seven Samurai , Yojimbo , or Hidden Fortress . Rashomon is not an epic, it is a thought provoking piece that sets and then exceeds expectations. The DVD Extras are ok. The Extras mainly offers a discussion among several of those who worked on the 1950 film. It is a somewhat technical discussion about how certain effects were created. The special edition includes a booklet with a terrific extract from The Emperor and the Wolf by Stuart Galbraith as well as text from the novellas Rashomon and In A Grove. Galbraith's history of the film and his own analysis are high quality and offers a fascinating 20 page insight. Rashomon is a very good film, not the greatest of Kurosawa's unequalled career but still fascinating. The concept is thought provoking and can sit with a viewer for a long time afterwards. The unreliable narrator has a very long tradition but to see that unreliability come about through subjective egoism rather than as a deliberate act is a terrific concept.

Dvd arrived quick in great condition and played well

Outstanding direction from Akira Kurosawa. This film reached cult status years ago and has influenced film makers since.(eg :Usual Suspects)A young couple are waylaid in the forest by a bandit (Toshiro Mifune) ,the man is killed and the woman is raped. Once the bandit is brought to court ,he and the victim give conflicting stories made worse by a witness(wood cutter) who further muddies the water.Who is to be believed?Kurosawa's atmospheric use of the camera is spellbinding and Mifune's performance is brilliant making this a must see film

One of the best movies I’ve ever seen. When I first saw it, sitting there reading the subtitles, I thought it would be too taxing and simply boring. But you quickly get into this classic of Japanese cinema as we watch different versions of a story laid out before us, each one seemingly as true as the other. It is one of my all time top movies. Absolutely fascinating and definitely worth watching numerous times. I hope you find my review helpful

Somewhat curiously, Japanese critics were not enthusiastic about RASHOMON when it was released in 1950 Japan. Today, however, RASHOMON is generally considered to be the film that introduced both master director Akira Kurosawa and Japanese cinema to the west; it is also often cited as the film that prompted The Academy of Motion Picture Arts and Sciences to create an award for Best Foreign Language film. It is widely regarded as a masterwork of world cinema. Set in 12th Century Japan, the film's premise is at once both very simple and very complex. A man is found dead in a forrest, and several people are brought forward to give testimony in the matter. In some respects their accounts agree--but in numerous others, some obvious and some very subtle, their stories differ. As each character gives his or her version of events, the various differences pile higher and higher, leaving the viewer to wonder at the motivations involved. Has each person simply interpreted the same facts in different ways? Do they deliberately lie in order to protect themselves? Are the differences in their stories deliberate or subconcious? The film offers no easy answers. Some have criticized the film for seeming to state that there is no such thing as ultimate truth, but RASHOMON is more complex than this: it is essentially a meditation on our inability, be it deliberate or unintentional, to reach more than an approximation of ultimate truth due to the very nature of humanity itself. Much has been written about the look of the film, which is indeed memorable. Filmed by Kazuo Miyagawa, it presents the forrest as a living, breathing entity; the images are powerful, the editing remarkable. No less so are the performances, which require the various actors to shift in behavior as each person involved gives their own account of the event; this is particularly true of Toshiro Mifune, a frequent performer in Kurosawa films, and actress Machiko Kyō. But whether lead or supporting player, all performaces are equally astonishing. The film has been extremely, extremely influential over the years, and as such it no longer has quite the same "shock of the new" that it had for audiences of the 1950s; nonetheless, this is director Kurosawa working very close to the height of his power, and while he would create other films that equalled and bested RASHOMON, it remains among his masterworks. The Criterion edition is quite fine, offering a near-pristine print with your choice of subtitles or dubbing (the former is recommended) and several memorable extras. Strongly recommended for fans of world cinema. GFT, Amazon Reviewer

Classico immortale.

黒澤監督が芥川龍之介の名作を素材に、三船敏郎と京マチ子の二人の名演(怪演？)を引き出したその力量は「世界の黒沢」の名に恥じぬものがある。 モノクロなのだが監督の優れたカメラワークはモノクロならではの美しさがある。 この事件の発端は、盗賊多襄丸(三船)が馬上の女の市女笠からチラリ覗いた横顔の余りの美しさに不埒な欲情を抱いた事から始まるのだが、「夜目遠目笠の内」という女性が綺麗に見える状況の中で、笠の隙間からチラリ覗いた女性が京マチ子という本物の麗人だから堪らない。多襄丸の気持ちがよく分かるというものである。 黒澤監督は常にカメラの脇に座っていた。つまり映像は黒澤監督の眼に映った通りに記録されていると思うと更に味わい深いと思う。

[Vorsicht, Spoiler!] 1949 verärgerte Alfred Hitchcock Publikum und Kritiker gleichermaßen, indem er in seinem Film „Stage Fright“ gleich am Anfang dem Mörder die Gelegenheit gab, der Protagonistin – und auch uns – eine dicke, fette Lüge aufzutischen, und die Tatsache, daß diese erlogene Version der Geschichte von der Kamera in einem Flashback visualisiert wurde, sah man als Verstoß gegen das ungeschriebene Gesetz, daß die Kamera niemals lügen dürfe. Doch schon vier Jahre zuvor nutzte der oft unterschätzte Regisseur Edward G. Ulmer in dem Noir-Thriller „Detour“ diesen Kunstgriff auf eine subtilere Weise, wenn er in Rückblenden die Geschichte eines vom Leben gebeutelten Barpianisten erzählt, der wegen Mordes gesucht wird und der dem Zuschauer davon berichtet, wie er durch unglückselige Zufälle in eine haarsträubende Geschichte aus Schuld und Verhängnis hineingerutscht sei. Ulmer ist hier insofern subtiler als Hitchcock als er den Anti-Helden am Ende nicht eindeutig als Lügner entlarvt – wie dies bei Hitchcock der Fall ist –, sondern es statt dessen dem Zuschauer überläßt zu entscheiden, ob er der hanebüchenen Geschichte des geborenen Verlierers Glauben schenken möchte oder nicht. In diesem Kontext betrachtet ist Akira Kurosawas Film „Rashômon“ aus dem Jahre 1950 nicht ganz so revolutionär, wie dies gern behauptet wird, wenngleich Kurosawa der erste Regisseur sein dürfte, der das Vexierspiel einander widersprechender Aussagen über ein Verbrechen so dezidiert in den Mittelpunkt eines Filmes gestellt und diese verschiedene Aussagen allesamt von der Kamera hat adeln lassen. Herausgekommen ist dabei ein atemberaubendes Meisterwerk, in dem es gar nicht so sehr darum geht, die Wahrheit herauszufinden – wenngleich ein aufmerksamer Zuschauer ihr durchaus nahe kommen dürfte, ohne dabei freilich alle Lücken zu füllen –, sondern zu zeigen, wie menschliche Eitelkeit und Schwäche uns dazu bringt, die Vergangenheit in unserem Sinne umzuerzählen. Es geht also nicht so sehr um die Frage, ob ein Mensch imstande ist, Erinnertes zutreffend wiederzugeben, sondern ob es Motive gibt, die ihn dazu bringen, seine Erzählung bewußt oder unbewußt zu verändern. Dies kommt auch in der kleinen Referenz zum Ausdruck, in der „Rashômon“ in der Episode „Thirty Minutes over Tokyo“ bei den „Simpsons“ auftaucht. Als die Simpsons mit einem mißmutigen Homer nach Japan aufbrechen, versucht Marge ihren Gatten mit den Worten „Come on, Homer. Japan will be fun. You liked ’Rashômon‘“ in bessere Stimmung zu versetzen, doch unser griesgrämiger Freund meint daraufhin nur „That’s not how I remember it“. Auch wenn eine Vorliebe für japanische Kunstfilme sicher nicht reibungslos in das Personenprofil Homer J. Simpsons passen dürfte, liegt es doch nahe, Homers grummelige Antwort hier als Zeichen dafür zu interpretieren, daß er es weiterhin vorzieht, seinem Mißfallen über den Familienausflug nach Japan Ausdruck zu verleihen. Doch zurück zu „Rashômon“! Kurosawa hat hier zwei Kurzgeschichten des Autors Ryûnosuke Akutagawa verarbeitet, nämlich einmal die titelgebende Story „Rashômon“, die wesentliche Elemente der Rahmenhandlung beisteuerte, und dann „In a Grove“, in der es um die unterschiedlichen Aussagen zu einem Mord und einer Vergewaltigung geht. Der Film beginnt damit, daß drei Personen – ein Holzfäller (Takashi Shimura), ein Priester (Minoru Chiaki) und ein Vagabund (Kichijirô Ueda) vor strömendem Regen unter dem einst hochherrschaftlichen, nun verfallenden südlichen Stadttor Rashômon der der Ruinenstadt Kyoto Schutz suchen. Der Holzfäller und der Priester waren beide Zeugen in einem Mordfall, der sich vor einigen Tagen zugetragen hatte, und sie versuchen immer noch, die einander widersprechenden Aussagen der Beteiligten miteinander in Einklang zu bringen. Diese Geschichten erzählen sie dem Vagabunden, und wir Zuschauer erleben sie in Rückblenden. Da ist zum einen die Geschichte des Räubers Tajômaru (Toshirô Mifune), der zwar zugibt, den Samurai überfallen und gefesselt zu haben, der aber sagt, seine Frau habe sich nach anfänglichem Streben ihm freiwillig hingegeben. Am Ende habe sie darauf bestanden, der Räuber solle ihren Gatten töten, was dieser – nach ehrlichem Zweikampf – auch getan habe. Dann erzählt die Frau (Machiko Kyô) ihre Geschichte. Nach ihrer Darstellung habe es sich um eine Vergewaltigung gehandelt, und als der Räuber anschließend das Weite gesucht habe, habe sie den vorwurfsvollen Blick ihres Ehemannes nicht mehr ertragen können, so daß sie schließlich in Ohnmacht gefallen sei. Als sie wieder aufgewacht sei, habe sie ihren Gatten mit ihrem Dolch erstochen vorgefunden. Über ein Medium kommt dann der getötete Samurai (Masayuki Mori) zu Wort. Er berichtet, die Frau habe nach ihrer Vergewaltigung seinen Tod gewünscht, doch der Bandit habe sich geweigert, den Mord auszuführen, und stattdessen versucht, die Frau zu töten. Sie sei ihm aber entkommen, und so habe der Samurai, nachdem der Räuber ihn befreit habe, Selbstmord verübt, um der Schande zu entgehen. Schließlich gibt der Holzfäller gegenüber dem Vagabunden auch zu, selbst das Verbrechen beobachtet zu haben. In seiner Version der Geschichte habe die Frau die beiden Männer aufgefordert, um sie zu kämpfen. Dabei hätten sich die beiden sehr ungeschickt und feige angestellt, doch schließlich sei es dem Banditen gelungen, den Samurai zu töten. Die Frau sei dann allerdings voller Ekel vor dem feigen Tajômaru davongelaufen. Aus dieser Version leitet dann der zuhörende Vagabund ab, daß der Holzfäller den wertvollen Dolch der Frau gestohlen haben müsse. Freilich tut der Streuner dies lediglich, um davon abzulenken, daß er gerade dabei ist, einem Säugling, den jemand unter dem Tor abgelegt hat, seine wenigen Habseligkeiten zu rauben – und doch scheint er mit seiner Anklage richtig zu liegen, wie am Verhalten des Holzfällers erkennbar ist. Am Ende macht dieser jedoch seinen Diebstahl wieder gut, indem er sich des Kindes annimmt und dadurch auch dem desillusionierten Priester den Glauben an die Menschheit wiedergibt. Als er mit dem Kind aus dem Schatten des Tores hervortritt, hört auch der Regen auf. „Rashômon“ ist einer jener Filme, die ihre Zuschauer nicht mehr aus ihrem Bann lassen, und in gewisser Weise wird der Zuschauer in den Gerichtsszenen denn auch unmittelbar in das Geschehen eingebunden, bleibt das Gericht doch unsichtbar und sprechen die Zeugen jeweils mit dem Gesicht direkt in eine meist statische Kamera. Das Geschehen, über das die Beteiligten Zeugnis ablegen, ist indes alles andere als statisch, und selbst die Figuren handeln nicht nur in jeder Version der Geschichte unterschiedlich, sondern ihr gesamtes Verhalten ändert sich. So ist beispielsweise das Duell auf Leben und Tod, das der Räuber und der Samurai in Tajômarus Erzählung ausfechten, keineswegs ein Beispiel für die edle Schwertkunst des „chanbara“, sondern ein wildes und ungelenkes Draufhauen, was wohl nicht so sehr Kurosawas Vorstellungen von einem Schwertkampf zuzurechnen ist, denn schließlich war der Regisseur selbst ein Nachkomme einer Samurai-Familie. Vielmehr entspricht das wilde Gefuchtel wohl Tajômarus Vorstellung von einem Duell, die geprägt ist von dem Bestreben des Gesetzlosen, sich als einem Samurai ebenbürtig darzustellen. So prahlt Tajômaru denn noch vor dem Richter, daß sein Gegner zwanzigmal die Klinge mit ihm gekreuzt habe, was bislang noch keinem seiner Widersacher gelungen sei. In der Version des Holzfällers hingegen ist der Schwertkampf zu einer Farce verkommen, in der die Kontrahenten vor Angst über ihre eigenen Füße stolpern, planlos ihre Klingen ins Leere hacken lassen und die meiste Zeit über im Dreck kriechen. Ist dies die Vorstellung eines einfachen Mannes von einem Kampf, oder versucht der Erzähler hier, die beiden Männer lächerlich zu machen? Oder … hat der Kampf wirklich auf diese Weise stattgefunden? Dies sind nur einige der Fragen, die sich dem Zuschauer stellen. Auch der Charakter der Frau ist in keiner Erzählung gleich: Bei Tajômaru ist die Frau mutig und leidenschaftlich, der Geist des Samurai stellt sie als berechnend dar, und in ihrer eigenen Erzählung ist sie ein verzweifeltes Opfer, das selbst vom Ehemann kein Verständnis erwarten darf. Auch der Schauplatz des Waldes symbolisiert die Unverläßlichkeit der Zeugnisse, denn zwar scheint mitunter die Sonne durch die Baumkronen, aber sie kann die Situation nicht vollends erhellen, sondern wirft stets die Schatten der Bäume auf die Gesichter der Handelnden, so daß sie sich mitunter wie gehetzte oder im Unterholz lauernde Tiere ausnehmen. Kurosawa waren diese Schatteneffekte so wichtig, daß er sie mittels Spiegeln künstlich erzeugte, waren doch die Bäume am Drehort so hoch, daß sie keine starken Schatten auf den Boden warfen. In den Waldszenen haben wir es darüber hinaus mit einer unsteten und unberechenbaren Kamera zu tun, die dabei die Bewegungen der Akteure meisterhaft einfängt – wie beispielsweise in der berühmten Szene, in der der Räuber und die Frau in Windeseile durch das Gebüsch laufen, das durch die Schnelligkeit der Bewegung zu einem Wirrwarr aus Licht und Schatten wird. Kurosawa filmte diese Szene, indem er Mifune und Kyô in einem Kreis um eine Kamera mit Teleobjektiv laufen ließ, während die Kamera sich um ihre eigene Achse drehte und mit den Laufenden auf diese Weise auf einer Höhe blieb. Eine ähnliche Szene sollte der Regisseur vier Jahre später für „Die sieben Samurai“ drehen. Daß es in den Erzählungen der Beteiligten weniger um eine wahrheitsgetreue Wiedergabe der Ereignisse geht, sondern darum, vor allem sich selbst ins rechte Licht zu setzen, wird dem Zuschauer mit jeder neuerlichen Sichtung dieses Filmes immer deutlicher bewußt. So wirkt Tajômaru in seiner eigenen Erzählung nachgerade wie ein müder Löwe, wenn er unter einem Baum döst und seine beiden Opfer an sich vorbeiziehen sieht. Man kann sich gut vorstellen, daß sich dieser großspurige Bandit, der sich selbst vor Gericht noch mit Worten und Gesten inszeniert, eigens auf diese Weise darstellt. Am stärksten tritt der Fokus des Erzählers auf sich selbst jedoch in der Geschichte der Frau hervor, die vor dem Hintergrund der gesellschaftlichen Gepflogenheiten im Japan des 12. Jahrhunderts wohl auch einen triftigen Grund zur Hervorhebung ihrer Opferrolle hatte: In jener großartigen langen, von einer an Ravels „Bolero“ erinnernden Musik untermalten Szene,[1] in der sie sich den vernichtenden und verachtungsvollen Blicken ihres Mannes ausgesetzt sieht, ist die Kamera nur verhältnismäßig kurz auf das kalte Gesicht des Samurai ausgerichtet, während sie doch die meiste Zeit über die Reaktionen der Frau – ihren anfänglichen Unglauben, ihr Entsetzen, ihre daraus erwachsende Verzweiflung und ihr vergebliches Flehen – einfängt. Während der Zuschauer quasi in die Rolle des Gerichts versetzt und dazu aufgefordert wird, sich sein eigenes Urteil über das Verbrechen zu bilden – wobei es in „Rashômon“ allerdings keinesfalls wirklich um die Auflösung des Falles geht –, kommentieren die drei Männer unter dem verfallenen Stadttor die Verhandlung. Der Holzfäller bezichtigt alle drei unmittelbar Beteiligten der Lüge, was dem Priester gar nicht behagt, der gerade dabei ist, ob der einander widersprechenden Zeugenaussagen den Glauben an die Menschheit zu verlieren – eine Verzweiflung, die visuell durch den strömenden Regen ausgedrückt zu werden scheint. Dem zynischen Vagabunden indes ist das alles einerlei: Für ihn ist es selbstverständlich, daß die Menschen sich und andere belügen, weil sie oftmals zu schwach oder zu eitel seien, der unbequemen Wahrheit über sich selbst ins Gesicht zu sehen. Auch der Mordfall selbst scheint ihn nicht sonderlich aus der Ruhe zu bringen, und seine Entscheidung, dem ausgesetzten Säugling sein Hab und Gut zu stehlen, weil er selbst ja irgendwie über die Runden kommen müsse, begründet er kurzerhand damit, daß ja auch der Holzfäller gelogen habe, um den Dolch der Frau stehlen zu können. Damit gibt der Vagabund das Hauptmotiv der ursprünglichen Kurzgeschichte „Rashômon“ wieder, in der ein entlassener Diener auf eine alte Frau trifft, die den Leichen, die man an dem Tor abgelegt hat, die Haare abschert, um daraus Perücken zu machen. Von dem Diener auf ihr schändliches Verhalten angesprochen, entgegnet sie, sie müsse dies tun um zu überleben. Die Frau, der sie gerade ihr Haar abgeschnitten habe, sei selbst jemand gewesen, der Schlangenfleisch als Fisch verkauft habe, wodurch ihre Kunden erkrankt seien. Auch sie habe allerdings aus der Notwendigkeit gehandelt zu überleben, weshalb ihr Verhalten gerechtfertigt sei. Der Diener raubt daraufhin der alten Frau ihre Kleider und sagt, nach ihrer Logik könne sie ihm nichts vorwerfen, da er dies doch nur tue, um sein Auskommen zu sichern. Kurosawas Humanismus gestattet es ihm indes nicht, seinen Film genauso illusionslos und zynisch enden zu lassen, wie Akutagawa dies mit seiner Geschichte tat, und so flicht der Regisseur das Handlungselement des Neugeborenen – an sich schon ein offensichtliches Symbol – ein, das dem Holzfäller die Gelegenheit gibt, sein unehrliches Verhalten wiedergutzumachen und dadurch auch dem Priester seinen Glauben an die Menschen zu erhalten – und für ein Ende des Regens zu sorgen. An dieser Stelle wurde Kurosawa vereinzelt Sentimentalität vorgeworfen, doch greift diese Kritik meines Erachtens zu kurz, zeigt dieses Ende doch, daß es Menschen gibt, die aus Schwäche unehrenhaft handeln, während andere – wie der Vagabund – dies aus Zynismus tun. Der gute Kern des Holzfällers läßt sein Fehlverhalten umso tragischer erscheinen, und zudem zeigt das Ende des Filmes ihn lediglich als einen Menschen mit guten Vorsätzen, nicht aber als jemanden, der diese auch bis zum Ende umsetzt – und so können wir eben nur hoffen, daß er dem Kind ein guter Ziehvater sein wird, während wir aber gleichzeitig wissen, daß er bereits sechs eigene Kinder hat, wodurch seine Situation nur schwieriger wird. Auf diese Weise gelingt es Kurosawa, uns als Zuschauer nicht mit einem Gefühl des Zynismus aus dem Film zu entlassen, wie es dem Vagabunden zu eigen ist, uns aber gleichzeitig auch nicht unter einem wohlfeilen Eindruck von Sicherheit davonkommen zu lassen. Kurosawas Filme bringen eben auch heute noch zum Nachdenken. [1] Überhaupt hat fast jede der Hauptfiguren ihr eigenes musikalisches Motiv.

Excellent film and the restoration is if high quality. I did not research it, but I would not be surprised if it is the same copy from Criterion. Highly recommended for any film buff.